Beschreibung:

Es­cue­la cas­te­lla­na; siglo XVI. “Vir­gen do­lo­ro­sa”. Ma­de­ra ta­lla­da po­li­cro­ma­da y do­ra­da. Pre­sen­ta res­tau­ra­cio­nes y re­pin­tes. Me­di­das: 37 x 14 x 11,5 cm. La de­vo­ción a los do­lo­res de la Vir­gen hunde sus raí­ces en la época me­die­val, y fue es­pe­cial­men­te di­fun­di­da por la orden ser­vi­ta, fun­da­da en 1233. Son mu­chas y muy va­ria­das las re­pre­sen­ta­cio­nes ico­no­grá­fi­cas que tie­nen como tema cen­tral a la Vir­gen María en su ver­tien­te Do­lo­ro­sa, sien­do la pri­me­ra de ellas en las que apa­re­ce junto al Niño Jesús, que duer­me ajeno al fu­tu­ro de su­fri­mien­to que le aguar­da. En estas obras suele estar pre­sen­te la cruz, prin­ci­pal sím­bo­lo de la Pa­sión, abra­za in­clu­so por el Niño, mien­tras María lo ob­ser­va con ex­pre­sión pa­té­ti­ca. Otra ver­tien­te es la que forma parte de la Pie­dad, si­mi­lar a la an­te­rior aun­que su Hijo está aquí muer­to, no dor­mi­do, plas­ma­do ya adul­to y tras su cru­ci­fi­xión. En las re­pre­sen­ta­cio­nes más an­ti­guas de este tema el cuer­po de Cris­to apa­re­ce des­pro­por­cio­na­da­men­te pe­que­ño, a modo de sím­bo­lo del re­cuer­do que la madre tiene de la in­fan­cia de su Hijo, cuan­do lo con­tem­pla­ba dor­mi­do sobre su re­ga­zo. Fi­nal­men­te, tam­bién des­ta­ca en im­por­tan­cia la Vir­gen de los Do­lo­res y la So­le­dad, donde apa­re­ce María sola, en oca­sio­nes con el co­ra­zón atra­ve­sa­do por una o va­rias es­pa­das. Sien­do esta re­pre­sen­ta­ción muy cer­ca­na al sen­ti­mien­to po­pu­lar, tras la ico­no­gra­fía de la Vir­gen de los Do­lo­res se crea la de la So­le­dad: María, com­ple­ta­men­te sola, se ve aco­sa­da por el re­cuer­do de los prin­ci­pa­les mo­men­tos de su vida, afli­gi­da en so­le­dad, sin su Hijo. En este tema se re­pre­sen­ta­rá con fre­cuen­cia el llan­to de la Vir­gen, con to­rren­tes de lá­gri­mas sur­can­do sus me­ji­llas. Es­pa­ña es, a co­mien­zos del siglo XVI, la na­ción eu­ro­pea mejor pre­pa­ra­da para re­ci­bir los nue­vos con­cep­tos hu­ma­nis­tas de vida y arte por sus con­di­cio­nes es­pi­ri­tua­les, po­lí­ti­cas y eco­nó­mi­cas, aun­que desde el punto de vista de las for­mas plás­ti­cas, su adap­ta­ción de las im­plan­ta­das por Ita­lia fue más lenta por la ne­ce­si­dad de apren­der las nue­vas téc­ni­cas y de cam­biar el gusto de la clien­te­la. La es­cul­tu­ra re­fle­ja qui­zás mejor que otros cam­pos ar­tís­ti­cos este afán de vuel­ta al mundo clá­si­co gre­co­rro­mano que exal­ta en sus des­nu­dos la in­di­vi­dua­li­dad del hom­bre crean­do un nuevo es­ti­lo cuya vi­ta­li­dad so­bre­pa­sa la mera copia. Pron­to se em­pie­za a va­lo­rar la anato­mía, el mo­vi­mien­to de las fi­gu­ras, las com­po­si­cio­nes con sen­ti­do de la pers­pec­ti­va y del equi­li­brio, el juego na­tu­ra­lis­ta de los plie­gues, las ac­ti­tu­des clá­si­cas de las fi­gu­ras; pero la fuer­te tra­di­ción gó­ti­ca man­tie­ne la ex­pre­si­vi­dad como vehícu­lo del pro­fun­do sen­ti­do es­pi­ri­tua­lis­ta que in­for­ma nues­tras me­jo­res es­cul­tu­ras re­na­cen­tis­tas. Esta fuer­te y sana tra­di­ción fa­vo­re­ce la con­ti­nui­dad de la es­cul­tu­ra re­li­gio­sa en ma­de­ra po­li­cro­ma­da que acep­ta lo que de be­lle­za for­mal le ofre­ce el arte re­na­cen­tis­ta ita­liano con un sen­ti­do del equi­li­brio que evita su pre­do­mi­nio sobre el con­te­ni­do in­ma­te­rial que anima las for­mas. En los pri­me­ros años de la cen­tu­ria lle­gan a nues­tras tie­rras obras ita­lia­nas y se pro­du­ce la mar­cha de al­gu­nos de nues­tros es­cul­to­res a Ita­lia, donde apren­den de pri­me­ra mano las nue­vas nor­mas en los cen­tros más pro­gre­sis­tas del arte ita­liano, fuese Flo­ren­cia o Roma, e in­clu­so en Ná­po­les. A su vuel­ta los me­jo­res de ellos como Be­rru­gue­te, Diego de Siloe y Or­dó­ñez re­vo­lu­cio­na­rán la es­cul­tu­ra es­pa­ño­la a tra­vés de la cas­te­lla­na, avan­zan­do in­clu­so la nueva de­ri­va­ción ma­nie­ris­ta, in­te­lec­tua­li­za­da y abs­trac­ta del Cin­que­cen­to ita­liano, casi al tiem­p